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Inma Soler

¡Bienvenido a mi nueva web! Rediseño para una nueva etapa

By Sobre mi

Desde hace meses venía dándole vueltas a la idea de renovar la web, pero no tenía claro ni hacia donde ni cómo hacerlo. Era un mar de dudas: ¿cambiar toda o actualizar solo unas partes? ¿Mantenerme en WordPress o contar con los servicios de un programador? Y la parte visual, ¿Mantenerlo en los colores y la estética o darle un rediseño completo?.

En este post te contaré como ha sido el proceso de rediseño, el motivo y los objetivos del nuevo enfoque y las novedades que puedes encontrar. ¿Listo para conocer todos los detalles?

Y el motivo de este rediseño es…

Nueva imagen para nuevos tiempos. Fue en 2015-2016 cuando tuve mi primer logotipo: en aquel momento, el inicio de mi formación universitaria en arte, buscaba hacerme reconocible y tener una identidad que me permitiese diferenciarme en ferias de ilustración y exposiciones. Fue entonces cuando creé «Istreart», muy ligado a la parte artística, y las redes sociales que lo acompañaban (Facebook e Instagram). En ese momento me permitió empezar a aprender sobre el uso de redes y comunicación online, pero conforme mi formación fue evolucionando y cambiando, también lo hicieron mis objetivos. ¿Qué estaba pasando?

Los cambios aplicados al logotipo en 2020 en comparación con la identidad previa de 2016

Fue entonces cuando terminé la carrera y empecé el máster de diseño e ilustración en la UPV y me especialicé en branding, ilustración aplicada a producto y comunicación digital (UX/UI). Durante el curso nos vimos afectados por el COVID-19 y el confinamiento. Pasaban los días en casa y se me ocurrió repensar el logotipo existente. «Istreart» ya no me estaba funcionando: la terminación del nombre me resultaba limitante en el nuevo camino profesional, la marca era demasiado grande para situarla como marca de agua en imágenes que subía a las redes, etc. Gracias a los conocimientos que aprendí con la formación, el nuevo análisis de mis objetivos y los consejos de otros profesionales, pasados 2 meses terminé el rediseño de mi identidad corporativa.

¿Y este nuevo diseño?

Tras años con la marca y el logotipo en funcionamiento, era hora de un cambio. Pero esta vez ha sido con respecto a la web. Durante el máster tuvimos la oportunidad de desarrollar nuestra propia web en WordPress. Lo que empezó siendo un porfolio se ha ido convirtiendo, poco a poco, en un lugar enfocado a dar a conocer mis proyectos en diversas áreas y en divulgar contenido. Pero, de cara a iniciar una nueva etapa y empezar a ofrecer mis servicios profesionales como freelance, esta web necesitaba renovarse.

Así era el diseño de la landing en 2021: Mucha presencia de ilustración junto con una paleta de tonos apagados.

La parte visual: Qué ha cambiado y cómo ha sido el proceso

Este rediseño ha tenido como premisa buscar una estética con mayor profesionalidad, limpia y donde la información estuviera clara y accesible. Sin cambiar los contenidos troncales como el porfolio de proyectos y el blog, se ha puesto el foco en la comunicación en la web, dirigida a hacer visible la propuesta de valor, la misión y valores como profesional y los servicios ofrecidos.

Un cambio transversal ha sido la paleta de color. De azules a verdes, junto con el uso de blanco y gris para generar espacios abiertos, de respiro visual y más limpios. Los nuevos tonos aportan luminosidad, frescura y un mayor contraste que mejora la legibilidad. Además, se incluye una tipografía complementaria a la de la marca (Chivo) que ayuda a reducir peso visual y el uso de «bold», contribuyendo a aligerar la apariencia global.

En esta renovación de estilo se ha pasado de una paleta más apagada a asociar la marca con colores más vivos, muy presentes en los proyectos y con tonos básicos que aporten luminosidad y nitidez

El otro gran cambio se encuentra en la estructura y navegación. De una página de repositorio de proyectos, a una web que ofrece claramente unos servicios de diseño. Además del cambio de enfoque, se ha potenciado visibilizar los servicios, procesos, y toda la información mostrada de manera veraz y transparente. Con un incremento de las llamadas a la acción, se busca una mayor interacción de los usuarios con la web y un acceso sencillo a la información más importante.

¿Pero es rebranding…o restyling?

Tal como nos cuenta ESDesign, la escuela superior de diseño de Barcelona, en este artículo, no es lo mismo rebranding que restyling. Mientras que el término «restyling» se refiere a la parte más visual y se realiza un cambio para mejorar la comunicación de la marca, sus valores y filosofía, hablamos de «rebranding» en el caso de que renovemos no solo la parte visual, sino el área de actuación, el modo de comunicarse y en definitiva, la esencia.

Entonces, ¿Qué se ha hecho en este caso? La identidad seguía funcionando y la web anterior trataba de transmitir los valores y la misión. Pero con el nuevo paso adelante y el enfoque a servicios, detecté la necesidad de comunicar de manera efectiva qué iba a ofrecer, por qué y cuáles eran los valores que llevarían a confiar en desarrollar tu idea conmigo.

Por consiguiente, se ha aplicado un restyling a la web, cambiando la línea visual y añadiendo secciones y páginas que ayudasen a comunicar mejor la estrategia y los objetivos de la marca a nivel profesional.

La landing tras los cambios en 2022: Mayor presencia de los proyectos y de las opiniones de quienes habían trabajado conmigo. Aunque este diseño se mantuvo mucho tiempo, no estaba del todo enfocado a servicios, además de que arrastraba algunas problemáticas y elementos de la versión anterior.

¿Qué novedades vas a encontrar?

A nivel global, la nueva web se enfoca a comunicar los servicios que se ofrecen para que lleguemos juntos a realizar tu idea y cumplir tus objetivos mediante el diseño gráfico, web y la ilustración.

Con una landing renovada y un porfolio actualizado con los últimos proyectos realizados, se prioriza dar a conocer estos servicios, los valores de marca y los métodos de contacto para un proceso de trabajo fluido, dinámico y comunicativo. Además, se potencian los contenidos del blog y se abre una nueva sección de recursos gratuitos donde se podrán descargar guías, resúmenes e infografías sobre arte y diseño enfocadas al aprendizaje.

La estrategia visual se renueva con un cambio de color y nueva tipografía. Sin abandonar la ya escogida para la marca (Chivo, disponible en Google Fonts), se añade como contrapeso visual una serif (Shippori Mincho, disponible en la misma plataforma) que, si bien se enfoca al uso offline, los tamaños grandes y bold permiten su aplicación en títulos y cabeceras. Juntas aportan modernidad a la par que cercanía.

Shippori Mincho y Chivo son las dos nuevas tipografías de la marca que verán su uso extendido a la web, la comunicación online y la papelería corporativa

Esta renovación visual permite ser extendida, más allá de la web, a campañas de marketing mediante las cuales expandir el mensaje con el objetivo de llegar a profesionales que necesiten desarrollar su branding, una web o un sistema de diseño, entre otros.

Si aún no lo has hecho, te invito a que descubras todas las secciones de la web y a que, si estás leyendo esto mientras tienes en mente una idea para desarrollar, te pongas en contacto conmigo. Estoy deseando ayudarte a hacer realidad tus ideas por medio del diseño UX/UI y gráfico.

Infografía: El color. Modos y combinaciones

By Material descargable

En esta infografía didáctica se aborda el color, desde los diferentes modos hasta las combinaciones para generar paletas vibrantes y amoldadas a lo que queramos transmitir. Aprenderás sobre las propiedades del color, la forma de combinar para mantener la seguridad y la diferenciación de las formas y las armonías mediante los diferentes tonos.

Este material es descargable de manera gratuita, pero, si vas a usarlo en un ámbito público, recuerda citar de manera adecuada. Está enfocado al uso en la docencia artística de cualquier nivel, por ser el color un tema básico y transversal.

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Infografía: Visual thinking

By Material descargable

En esta infografía didáctica se habla del visual thinking. Esta metodología, que puede ser utilizada en cualquier etapa y asignatura, permite esquematizar la información de manera visual para facilitar la comprensión y análisis. Aquí explicamos los pasos para realizar un visual thinking además de los beneficios que puede aportar al estudiante.

Este material es descargable de manera gratuita, pero, si vas a usarlo en un ámbito público, recuerda citar de manera adecuada. Está enfocado al uso en la docencia artística de los cursos de ESO y bachillerato.

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Infografía: Composición, peso y ritmo visual

By Material descargable

En esta infografía didáctica se habla de la composición visual, atendiendo a la organización de los pesos visuales para generar ritmo y divisiones del espacio. Se definen los esquemas compositivos más comunes, así como la diferencia entre los estables e inestables. También nos aproximamos a las leyes de la Gestalt y el vocabulario específico.

 

Este material es descargable de manera gratuita, pero, si vas a usarlo en un ámbito público, recuerda citar de manera adecuada. Está enfocado al uso en la docencia artística de los cursos de ESO y bachillerato.

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La investigación como esencia de un buen producto

By Diseño

Con cierta frecuencia se aparece ese dulce momento en que nos viene a la cabeza una idea. Una idea que parece revolucionaria, que resolverá múltiples problemas y que ayudará a cambiar las reglas del juego en el ámbito al que pertenece. Con esta idea en la cabeza, nos lanzamos a desarrollarla movidos por la motivación y la prisa, pero, ¿sale bien?

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Música y comunicación visual: Diseño, color y estética.

By Diseño

En el siguiente artículo nos aproximamos a como es la relación entre diseño gráfico y música. Teniendo los inicios en los años 50-60 o incluso antes, con los carteles para cabaret, teatro y otros espectáculos, la publicidad ha sido un factor decisivo en la comunicación de las novedades y tendencias musicales. Como los colores, los textos y otros elementos sirven para materializar los sonidos en una forma que sea impactante visualmente y motivadora para dar al play.

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¿Cómo me empezó a interesar la IA para la generación de imágenes? ¡Por las risas!

By Creatividad, Innovación

Índice

  1. Introducción
  2. ¿Cómo fue el proceso?
  3. Pero…¿Realmente aprendimos algo?
  4. ¿Cómo funciona con otros artistas?
  5. En definitiva…

Introducción

Fue una tarde como cualquier otra, pero con una pizza con queso de trufa. Gracias a los profesionales que me rodean y a las redes sociales, cada vez más escuchaba hablar de la IA, de los nuevos modelos de texto a imagen y de, como no, el miedo de que esto supusiera el fin para miles de creadores visuales.

Mientras comíamos la pizza, empezamos a probar «Dalle-2» en el móvil. Ya habíamos hecho algunas pruebas con Craiyon, pero todavía muy pocas con el nuevo modelo ni con Midjourney y casi que desconocíamos otras opciones como Stable Diffusion.

¿Pero qué tiene que ver las risas en todo esto? Pues porque utilizamos Dalle-2 para una función tan concreta como extravagante: generar imágenes de Cristo Pantocrátor. En aquel momento estaba estudiando el tema del arte Románico para las oposiciones de profesor de dibujo (si quieres saber más sobre esto y su relación con el blog, ¡clica aquí!). Es un tema que no es de mis favoritos, pero esa figura siempre me ha hecho muchísima gracia.

🤪 ¿Y qué ocurrió? Volvimos loco a Dalle-2. 🤪

Prepárate para adentrarte en un post muy divertido, a mitad entre la tecnología y el arte y en el que plasmo mis conclusiones después de usar los modelos de texto a imagen (casi) por primera vez.

¿Cómo fue el proceso?

Empezamos dándole un prompt que nos provocaba risa: ver al pantocrátor en estilo heavy metal. No salió bien. Ya que el resultado había sido tan rocambolesco, nos centramos en hacer algo más simple. Un pantocrátor, sin especificar una fecha. Aunque los resultados no eran perfectos, nos sorprendió la capacidad que tuvo para recrear algo tan concreto.

Tres ejemplos de Pantocrátor de estilo heavy metal hechos con Inteligencia Artificial

Mediante variaciones de las imágenes y nuevos prompts, hicimos que el pantocrátor sonriese y que tuviera unos colores más vivos, dejando de ser una imagen como las de la historia del arte para ser, cada vez más, una caricatura. Además, introdujimos un cambio que inicialmente no tenía importancia: que el Pantocrátor fuera del periodo bizantino. En este proceso, poco a poco descubrimos cosas de la herramienta que nos resultaron curiosas.

La noche continuó y con ello, las evoluciones del pantocrátor y las risas que ello nos provocaba. Imágenes totalmente sacadas de contexto por ser creadas a partir de las anteriores y colores estridentes que, sin duda, no estaban en las capillas románicas. Es cierto que fue una prueba totalmente loca, pero no exenta de aprendizaje.

Pero… ¿Realmente aprendimos algo?

Pues lo cierto es que sí. Detrás de todas estas risas, estábamos haciendo un proceso muy interesante. Llevábamos hasta el límite a Dalle-2, explorando todo lo que nos podía ofrecer y cómo era su «proceso creativo». Pero para empezar con este proceso, necesitamos algo esencial: nuestro propio conocimiento.

La herramienta por si sola no nos ofrecía un pantocrátor específico de una época de la historia del arte. Con nuestro conocimiento y aunque solo fuera por diversión, logramos sacar diversos resultados, diferentes entre sí gracias al contexto aportado. No era igual la representación bizantina que la del siglo XII europeo, como tampoco lo es en la vida real. Esto nos hizo descubrir que el modelo texto a imagen podía filtrar por un contexto temporal.

Tres imágenes de Pantocrátor de época bizantina generadas con Inteligencia Artificial

Además, si comparamos con estas imágenes religiosas reales y más cercanas al contexto aportado en el prompt, podemos sacar nuevas conclusiones. La construcción del rostro, del conjunto de barba y cejas son muy similares a los referentes del mismo periodo. También lo es la partición de la aureola que aparece detrás de la cabeza que, tal como sucede también en los modelos eslavos, lleva inscripciones. Si bien los resultados no son una copia ni perfectos, demuestra que hasta en imágenes antiguas esta herramienta es capaz de inspirarse y crear nuevas visiones sobre ellas. También los colores e incluso el fondo granuloso de la segunda imagen nos transmite a los referentes bizantinos. En ellos, el dorado, el azul y el rojo son colores primarios y el grano se corresponde con la forma de las teselas de los mosaicos que cubrían los interiores de las cúpulas.

Comparativa entre dos imágenes de Cristo pantocrator del periodo bizantino y una creada con IA. El prompt utilizado incluía las palabras «byzantine», «slavic» y «gold and blue».

Sin duda, ese día aprendimos y nos reímos con la IA. Pero también fue la chispa que despertó el interés por estas nuevas tecnologías para la creación artística. Y a partir de ese momento, decidimos seguir investigando.

¿Cómo funciona con otros artistas?

¡No todo iba a ser románico y bizantino!

Tiempo después, y ya con voluntad puramente de investigación, decidí probar cómo funcionaba esta inspiración con otros artistas, como los del renacimiento o del barroco. Para ello, usaríamos Stable Diffusion y eliminaríamos los ajustes que se pudiesen aplicar, quedándonos con los resultados en la primera descripcion aportada. Es cierto que no es el mismo modelo, pero buscábamos comprobar una sola cosa: en qué grado las imitaciones de estas inteligencias artificiales se ajustaban a las pinturas reales de grandes artistas. Para ello, escogimos tres artistas de diferentes épocas para evaluar la destreza del modelo, así como con qué referente daba mejores resultados.

¿Conseguiremos que Stable Diffusion ilustre algunos elementos con el estilo de cada uno? ¡Vamos a verlo!

Stable Diffusion en el papel de…

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti es el genio del renacimiento. Pintor, escultor y arquitecto, estuvo al servicio de los papas y nobles de la época, trabajando en Roma y Florencia. Se inspiró en la antigüedad clásica (¡te cuento más sobre esto aquí!) y nos dio grandes obras de la historia del arte como «La piedad», los frescos de la Capilla Sixtina o el David.

Para esta prueba nos centramos en el Buonarroti pintor, dado que la IA va a generar una imagen y no una escultura. No buscamos un resultado refinado, sino un proceso lúdico tal como hicimos con el pantocrátor. Es decir, retar a la IA para obtener el mejor resultado en los prompts más breves. Y esto fue con lo que nos encontramos.

Fragmento de la Capilla Sixtina comparada con una ilustración de una mujer sentada leyendo, al estilo de Miguel Ángel (Realizada con Stable Diffusion)

Teniendo en cuenta los condicionantes, pero comparando con una pintura del artista escogido, opinamos que el resultado no se ajusta a lo que podíamos esperar. Si es cierto que el volumen de los brazos, las proporciones del cuello o la posición de la mano pueden traer algunas reminiscencias a las figuras de Miguel Ángel. Pero es casi imposible relacionarlas sin tener los conocimientos o el contexto suficiente.

Tampoco los colores son los que esperábamos, ni el acabado. Es cierto que el fresco de nuestro artista cuenta con siglos de historia, pero la pincelada que nos ofrece Stable Diffusion es empastada, más cercana al óleo que a la técnica escogida por el artista italiano y con colores más saturados y menos variados que los de la Capilla Sixtina.

Claude Monet

«The Summer, Poppy Field» de Claude Monet (1875) comparado con una ilustración de un paisaje con personas al estilo del mismo artista (Realizada con Stable Diffusion)

En este caso, probé a representar un paisaje al estilo de Claude Monet. Sin referencias previas y con un prompt muy sencillo, pude ver como esta nueva herramienta entendía (bien por copia o por otros mecanismos) el juego de luces que Monet representaba en sus obras y las formas titubeantes por la pincelada corta y expresiva.

En cambio, también observé que la paleta utilizaba era extremadamente saturada en todos los resultados ofrecidos. Si bien el impresionismo fue el primer movimiento que presta gran atención a la luz y la pintura fuera del estudio (gracias a la invención de los óleos en tubo, que permitieron una mayor movilidad), las obras de Monet generalmente no tienen colores tan saturados. Esta saturación es más propia de autores posteriores como Matisse o el icono del arte pop y las grandes superficies de color, Andy Warhol (a quién estudiaremos a continuación). Aun así, el resultado se ajustaba mejor al artista de lo que lo había hecho anteriormente con Buonarroti.

Andy Warhol

Dos ejemplos de como la IA aplica el estilo de Warhol a las imágenes, comparadas con la original situada en el centro.

Como último reto, quise adivinar qué tal se le daría a la IA representar un retrato bajo el estilo de uno de los artistas más famosos del siglo XX, Andy Warhol. Warhol, exponente del arte pop, basa su arte y trayectoria en la sociedad de consumo y su funcionamiento. No solo habla sobre ella en sus obras, sino que sus propios resultados se añaden a la rueda que replica las modas del momento y que genera productos para ser consumidos rápidamente por el público, independientemente de su conocimiento artístico (Si quieres saber más sobre este artista polifacético, te dejo este enlace)

En este caso, y de nuevo con gran sencillez en las definiciones que le aportaba, Stable Diffusion logró ofrecer varios retratos de hombres y mujeres al estilo del artista, con grandes espacios de color plano, propio de la serigrafía. Aunque fueron resultados bastante interesantes, en todos se repetía el patrón del pelo, cejas y labios que caracterizaban el retrato de Marilyn Monroe. Sin embargo, estos ejemplos nos llevan a pensar en que una de las opciones de uso de esta herramienta podía ser generar filtros con este estilo, para ser aplicados a todo tipo de fotos que pudiéramos aportar (tratando de que siempre fueran de frente o 3/4, por ejemplo).

En definitiva…

Poco a poco, y tras probar Dalle, Midjourney y Stable Diffusion, me quedó claro que estamos ante una nueva manera de crear digitalmente que va más allá de los softwares habituales (como Adobe). Más allá de si los resultados son ajustados o no a lo que pedimos, poder extraer imágenes con tan solo una breve descripción es una revolución que pone al alcance de todos la capacidad de representar, así como lo hizo la fotografía hace décadas. Con nuestras descripciones pudimos comprobar como esta herramienta diferencia entre épocas a representar, entre referentes o permite jugar con los puntos de vista en las diferentes representaciones.

El descubrimiento de estos modelos de texto a imagen llamó enseguida la atención de miles de personas en todo el mundo, pero tal vez lo más complicado a partir de aquí sea gestionar su uso responsable. En nuestro caso, las imágenes desarrolladas se acotan a descripciones breves, a una investigación sobre las posibilidades y a un uso informativo. En cambio, ya existen grandes polémicas con el alcance de la herramienta y de sus usuarios, algunos de los cuales están basando toda su producción artística en la generación de imágenes con IA (descubre aquí que opina sobre esto ChatGPT, el chat basado en inteligencia artificial). ¿Dónde está el límite? ¿Es esto legal, sabiendo que estas herramientas se entrenan con multitud de imágenes, no siempre libres de derechos?

Y tú, ¿ya has probado la generación de imágenes con estas nuevas herramientas de inteligencia artificial?